Joaquín Vida

MONTAJES

2009-02-16T17:34:00.004+01:00

Kean

2009-01-22T20:55:00.007+01:00

Autor: Jean Paul Sartre / Alejandro Dumas. Director: Joaquín Vida. Escenógrafa: Helena Krioukova. Figurines: Joaquín Vida. Reparto: Alfredo Alcón, Emma Cohen (en Madrid), Paca Gabaldón (en gira), Pepe Lara, Francisco Racionero, Eva García, Mara Goyanes, Antonio Duque, Paco Cambres, Alberto Magallares, Gerardo Giacinti y Estela Domínguez.
Una producción de JV Producciones, estrenada en el Teatro Fernando de Rojas de Toledo; en Madrid, en el Teatro Bellas Artes.

Nota para el Programa de Mano

¡UNA COMEDIA!

Debía contar unos dieciocho o diecinueve años cuando leí «Kean» por primera vez. Fue un acto casi sacramental; caí de hinojos ante el mito de lo prohibido y la hondura de su mensaje (como se decía entonces). No entendí nada, obviamente, pero quedé transido de trascendencia, y (ahora puedo confesarlo) aburrido como una ostra. La verdad es que era yo entonces demasiado joven para divertirme, y tampoco las dos Españas en las que vivía contribuían precisamente -con su sentimiento trágico de la vida la una, con el espejismo del desarrollo la otra- a que las cosas se viesen (o leyesen) con un mínimo de objetividad.
Cuando hace unos pocos meses, después de haber pasado sobre mí y sobre España más de veinticinco años y el vendaval de la Historia, leí de nuevo el «Kean» de Sartre, me quedé tan perplejo que tuve que leer la obra una vez más para cerciorarme de que no estaba siendo víctima de una alucinación, porque me reía de buena gana desde la primera página; aquel texto derramaba gracia por todos los signos de puntuación. Sin duda mis sentidos me estaban engañando. No podía ser que el padre del existencialismo, el filósofo por antonomasia del siglo xx, tuviese sentido del humor, y yo no me hubiese enterado. Acabé rindiéndome a la evidencia: aquello era una comedia. Y es que los pocos años y las situaciones políticas de carácter traumático suelen jugar malas pasadas.
Recuperado del primer estupor, me sentí inmediatamente atraído por la propuesta del dramaturgo y filósofo francés: filosofar acerca del «ser» o el «interpretar», acerca de la realidad de la ficción o de la ficción de la realidad, haciendo reir al público al mismo tiempo. ¡Todo un reto! Pero un reto atractivo, porque montar una «obra de tesis» que tiene estructura de «comedia de enredo» y diálogos de «alta comedia» es un desafío, y a mí siempre me han atraído los desafíos. Aunque, para ser sinceros, debo confesar que sin contar con el arte magistral de Alfredo, el encanto de Enma, el buen hacer de Pepe, la voluntariosa picardía de Eva, la gracia de Paco y Mara, el dominio de su oficio de Cambres y Antonio, y el incondicional entusiasmo de Gerardo, Estela y Alberto, nunca me hubiera atrevido a afrontarlo. Joaquín Vida

La Dorotea

2009-01-22T17:57:00.008+01:00

Autor: Lope de Vega. Adaptación: Luis García Montero. Dirección y Figurines: Joaquín Vida. Escenografía: Juan Vida. Diseño de Luces: Carlos Moreno. Reparto: Nati Mistral, Mar Bordallo, Alicia Agut, Carmen Serrano, Mª Jesús Hoyos, Mª del Mar Rodríguez, Manuel Gallardo, José Mª Barbero, Alberto Alonso, Jaime Linares y Jaime Tijeras.

Una producción de Atryl, estrenada en el marco de Festival Internacional de Almagro; en Madrid, en el Teatro Bellas Artes.

Nota para el programa de mano.

Ante la puesta en escena de “LA DOROTEA”

Tomar la decisión de poner en escena un texto que ha sido calificado por algunos especialistas como “la obra más importante de la literatura española del siglo XVII después de El Quijote”, es un acto que se lleva a cabo con una cierta dosis de temor. Un clásico siempre es un clásico, pero un clásico del que se predica algo así, merece doble dosis de respeto.
Lo que ocurre es que La Dorotea, como su hermana mayor La Celestina, es un clásico muy especial: es teatro sin dejar de ser novela; es autobiografía sin dejar de ser ficción; es, por último, ensayo sin dejar de ser lírica. ¿Cómo dar coherencia escénica a una obra cuya grandeza estética precisamente estriba en su incoherencia formal? ¿Qué hacer con una obra iconoclasta, transgresora de todas las reglas, incluidas las inventadas por el propio autor para romper la preceptiva vigente en su época? ¿Qué forma dar a la prosa de un poeta?

Las formas de expresión escénica propias de la cultura occidental, con su obsesivo objetivo de reproducir la realidad tal cual aparentemente es, se me antojaban insuficientes para hacer llegar al público toda la riqueza expresiva contenida en el abigarrado texto de Lope. Decidí recurrir a las formas más imaginativas de la cultura oriental, para la que el hecho teatral es una realidad en sí mismo, no un simulacro de la realidad exterior. He montado, pues, esta Dorotea con las formas propias del kabuki, tratando de que lo simbólico, lo evocador y lo imaginativo sustituyan al calco, la reproducción y la copia; intentando, en una palabra, sugerir, en lugar de reproducir (un cambio de actitud puede expresarse con un cambio instantáneo de vestido; la habitación de un poeta puede ser sugerida con un escrito de su puño y letra), sin pretender disimular el hecho incontestable de que ustedes, los espectadores, están presentes y forman parte de la representación.

Puede que haya acertado con mi propuesta, o puede que no. ¡Ojalá hubiese fórmulas de segura aplicación que resolviesen a priori este tipo de dilemas! Pero en el mundo de la creación no hay más fórmula que la intuición, y los resultados de su aplicación sólo pueden ser comprobados a posteriori. No me ha quedado, pues, más remedio que arriesgarme a sufrir una equivocación. El escéptico retrato de sí mismo y de su musa, y la sarcástica pintura del mundillo artístico de la corte de los primeros Austria que traza Lope (poniendo, de paso, en entredicho el tópico de la España del honor y de la honra –el motor de la acción no es una honra mancillada ni un honor ofendido, sino sencillamente la vanidad herida de un amante ninguneado y el tintineo del oro americano, ante cuyo sonido no hay bajeza moral a la que no se descienda-, al dejar ver con claridad que aquellos circunspectos caballeros y recatadísimas damas no andaban muy lejos, en el fondo, de Lázaro de Tormes, Celestina, o Monipodio), merece el olvido de todos los temores, y la ejecución de todos los esfuerzos. JOAQUÍN VIDA

Madame de Sade

2009-01-18T20:57:00.005+01:00

Autor: Yukio Mishima. Adaptación: Franciaco Melgares. Dirección: Joaquín Vida. Escenografía: Helena Kriukova: Figurines: Joaquín Vida. Reparto: Berta Riaza, Carmen Elías / Adriana Ozores, Magüi Mira, Celia Ballester, Flora Mª Álvaro y Herminia del Amo.

Una producción de El Teatro de el Sol, estrenada en el Centro Cultural de la Villa de Madrid.

Nota para el programa de mano.

Mme. de Simiane.-... Dios traza una línea entre el bien y el mal tan definida como la que raya un niño sobre el pavimento.
Mme. de Montreuil.-Me pregunto si esa línea, como la que deja la marea en la playa, no cambia constantemente.
(Mishima, acto II de «Madame de Sade")

La primera lectura de «Madame de Sade» despertó en mí un volcán de sentimientos contradictorios que no experimentaba desde los días de la adolescencia, cuando me odiaba a mí mismo por no poder dejar de amar el pecado. Cada nueva línea leída hacía crecer en mí la fascinación por la repugnante hermosura de un comportamiento humano socialmente proscrito. La negra belleza que destila el texto se enroscaba en mis sentidos, emponzoñándolos de un turbio lirismo que convertía la repulsa en atracción. Cuando doblé la última página, y la deliciosa amargura que me embargaba me impulsó a iniciar de nuevo la lectura, descubrí que estaba pecando, y recuperé, después de muchos años, la conciencia de hacerlo y el placer que ello produce.
«Madame de Sade» es dañina y fascinante como un pecado. Es también una exquisita y delicada pócima, servida en el más frágil de los cristales a una sociedad que ha etiquetado a su antojo los actos humanos; un hermoso alegato contra la intolerancia; un bellísimo pliego de descargo a favor de la heterodoxia; un apasionado canto a lo amoral.
Indudablemente, habrá otras posibles lecturas del texto de Mishima, como en toda obra de arte que realmente lo sea. Pero esa es la mía, la que ha despertado en mí la necesidad irreprimible de montarla, de vencer todos los obstáculos hasta conseguir levantar el telón. He contado para esta tarea con la colaboración inestimable de Herminia, Magüi, Flora, Carmen, Celia y Berta, que han puesto toda su sensibilidad y arte al servicio de unos personajes extremadamente difíciles; con el jovial apoyo de Eduardo; con la sólida formación de Helena; y con el cáustico lirismo de Francisco Melgares. A todos ellos quiero dar las gracias desde estas líneas por su entusiasmo y su entrega.
Joaquín Vida

La Celestina

2009-01-18T16:48:00.011+01:00

Autor: Fernando de Rojas. Adaptación: Luis García Montero. Dirección: Joaquín Vida. Figurines: Vitorio y Luquino. Escenografía: Joaquín Vida. Diseño de Luces: Carlos Moreno. reparto: Nati Mistral, Paco Morales, Eva García (en Madrid), Mar Bordallo (en gira), José Mª Barbero, Alberto Alonso, Mª Dolores Cordón, Enrique Menéndez, Jaime Linares, Carmen Serrano, Lola Peno, Isabel Pintor, Jaime Tijeras Juan Antonio Molina y Juanjo López.

Una producción de Atryl Producciones, estrenada en el Teatro Cervantes de Alcalá de Henares; en Madrid, en el Teatro Albéniz. Con este espectáculo se inauguró la sala B del Auditorio Euskalduna de Bilbao y el Teatro Palenque de Talavera de la Reina.

Nota para el programa de mano
La Mirada del Tiempo

Ni siquiera los clásicos se libran de la acción del tiempo. Sus obras siguen dando respuesta a las inquietudes estéticas o vivenciales de las generaciones posteriores pero no siempre lo hacen en el mismo sentido, de la misma forma y sobre el mismo aspecto que interesó al autor original y a sus contemporáneos.
Al contemplar un objeto artístico antiguo, cada nueva generación lo impregna con su propia manera de ver la vida y lo deja matizado por ella, de la misma manera que el humo de los cirios de la Capilla Sixtina fue matizando siglo tras siglo los colores de Miguel Ángel, o el polvo de los alcázares de los reyes de España oscureció la paleta de Velázquez.
Resulta difícil desde que Shakespeare escribiera sus tragedias, no sentir simpatía hacia dos jóvenes enamorados a quienes se les prohíbe la culminación de su amor; es imposible no identificarse con la víctima de una pasión incontrolada, después de que el Romanticismo prestigiase el desorden sentimental hasta elevarlo a la categoría de ideal de conducta; ha llegado a ser utópico pretender describir la realidad sin tratar de fotografiarla, desde que el Naturalismo nos acostumbró a buscar en el arte un calco de la realidad misma. Pero Fernando de Rojas no conoció ni a Shakespeare, ni al Romanticismo, ni al Naturalismo. Escribió su tragicomedia en pleno Renacimiento, la edad de oro del equilibrio y la mesura, por lo que en modo alguno pudo sentir la necesidad de calcar la realidad que tan poderosa como alambicadamente describió, ni aprobar el, para sus contemporáneos, disparatado comportamiento sentimental de su Calisto, ni simpatizar con los transgresores de unas convenciones sociales que establecían una férrea incomunicación entre los hombres y las mujeres.
Nosotros –la Compañía, García Montero y yo mismo- nos hemos propuesto despojar a “La Celestina” de las adherencias que los sucesivos movimientos culturales y estilísticos han ido depositando entre ella y nuestros ojos, con el fin de hacer llegar hasta ustedes, espectadores del siglo XX, una “Tragicomedia de Calisto y Melibea” acorde con la que contemplaron los del siglo XV, a quienes en absoluto extrañaba que en una obra literaria los criados utilizasen un lenguaje tan docto o más que el de los señores, ni que el amor desmesurado fuese objeto de burlas, ni que se necesitase una intervención diabólica para torcer el recto proceder de una doncella recluida en la casa paterna; hemos intentado liberar a la obra de Rojas de cuantas interferencias culturales, sentimentales y moralistas pudiesen dificultar que llegue hasta ustedes con la nitidez precisa la pésima opinión que a su autor le merece un orden social -incipiente en aquellos días- basado en la consecución del lucro individual, en el que todo, incluso lo más íntimo, puede llegar a ser objeto de compraventa, puede quedar reducido a la condición de mera mercancía, sujeta a una ley sin más límites éticos o morales que los derivados de la oferta y la demanda.
Joaquín Vida

Celestina, cinco siglos después
Luis García Montero

Aceptar el encargo de una versión teatral moderna de La Celestina significó para mí añadir de forma imprevista la responsabilidad y la incertidumbre a los muchos placeres que esta obra me había regalado como lector. Las veras y las burlas, las “sentencias dos mil en forro de gracias”, el deslumbrante uso retórico de lo sencillo y lo complejo, la frescura literaria, el juego cómplice con la tradición y los hermosos y alargadísimos parlamentos, llenos de rincones matizados y hallazgos intocables, se convirtieron de pronto en una cuestión personal, en un tejido de decisiones imperiosas. ¿Cómo convertir La Celestina en una representación teatral, respetando la letra y el espíritu, las intenciones y las sorpresas de su autor o sus autores? ¿Cómo llevar al espectador contemporáneo, que tiene sus convenciones y su almacén de miradas estéticas, hasta una tragedia amorosa que no conoció el desarreglo sentimental del romanticismo, hasta una composición de declarada voluntad realista, que, sin embargo, no participa en absoluto del naturalismo decimonónico?
Pero ¿qué más? No basta con el deseo de presentar en escena de manera respetuosa un libro clásico, salvando las distancias entre el lector y el espectador, porque resulta necesario plantearse también las diferencias ideológicas entre lo viejo y lo nuevo, quiero decir, entre el viejo lector y el nuevo espectador. ¿Qué es actualizar? ¿Se trata de conducir el texto antiguo al mundo presente, en sus debates, preocupaciones y preguntas? ¿O se trata de pulir lo necesario, lo mínimo, para facilitar que el público viaje al pasado, comprendiendo la significación original de la obra? Yo he optado por esta segunda vía. He querido mostrar en literatura actual y viva, una obra que empezó a gestarse hace quinientos años.
Porque los lectores de hoy, situados en la otra orilla de la Historia, experimentados en bellas palabras y en las cicatrices de la Modernidad, en sus frutos y en sus contradicciones, tal vez quieran también aprender la lección de la mirada sin tapujos, descubriendo el hilado de provechos y deseos que se mueve en el aceite serpentino de algunas palabras como libertad, justicia, bien, verdad, democracia, tolerancia y respeto, las “fontezicas” actuales de la sabiduría. La situación de nuestra Historia, en otra compleja y vivísima vuelta creativa, asegura “la belleza actual de La Celestina”. Se puede asistir al drama de Calisto y Melibea sin otra reactualización que la propia fuerza literal de su densidad expresiva y su espesura ideológica. Podemos seguir meditando las palabras de Pármeno, cuando Sempronio le indica la conveniencia de ir rápido a casa de Celestina, para exigir su parte en el negocio: “Bien dizes; olvidado lo avía. Vamos entramos, y si en esso se pone, espantémosla de manera que le pese. Que sobre dinero no ay amistad".

La Noche

2009-01-18T16:08:00.001+01:00

Autor: José Saramago. Versión: Eugenio Arredondo. Dirección: Joaquín Vida. Escenografía: José Hernández. Montaje Musical: Isabl Montero. Diseño de Luces: Carlos Moreno. Reparto: Ángeles Martín, Nicolás Dueñas, Alberto Alonso, Teófilo Calle, Ramón Pons, Miguel Arribas, José Mª Barbero, Mª Dolores Cordón, Miguel Ariza, Carlos Ruiz, Ángel Cuevas y Jaime Tijeras.
Una producción de JV Producciones, estrenada en el Auditorio del Palacio de Exposiciones y Congresos de Granada; en Madrid, en el Teatro Albéniz, dentro de la programación del Festifal de Otoño.

Cuernos

2009-01-18T13:48:00.000+01:00

Autor: Joaquín Leguina. Adaptador: Eugenio Arredondo. Director: Joaquín Vida. Espacio Escénico y Figurines: Joaquín Vida. Diseño de Luces: Carlos Moreno. Reparto: Emma Ozores, Ángeles Martín, Nicolás Dueñas, José Mª Barbero, Beatriz Bergamín y Juan Antonio Molina.

Una producción de JV Producciones, estrenada en el Auditorio Pilar Bardem de Rivas-Vaciamadrid.

Mariana Pineda

2009-01-17T21:12:00.004+01:00

Autor: Federico García Lorca. Dirección: Joaquín Vida. Escenografía: Juan Vida. Figurines: Joaquín Vida. Música: Manuel Balboa. Diseño de Luces: Carlos Moreno. Reparto: Carmen Conesa, Emilio Gutiérrez Caba, Manuel Bandera, José Mª Barbero, Mª Paz Ballesteros, Yolanda Diego, Miguel Ariza, Carmen Serrano, Ángel Cuevas, Jaime Tijereas, Mª José Extremera e Irene Escolar.
Una producción de E.G. Línea de Cultura para la gala inaugural del Teatro Isabel la Católica de Granada, tras la restauración. En Madrid fue estrenada en el Teatro Bellas Artes.

Fue el espectáculo que más espectadores cosechó de cuantos integraron la edición de 1998 del Festival de Otoño de Madrid.

Nota para el Programa de Mano

La “Mariana…” de Federico

Mariana Pineda fue ejecutada en Granada la mañana del 26 de mayo de 1831, tras un juicio sumarísimo, por haber cometido el terrible delito de pretender para su país un sistema político basado en la libertad, la igualdad, la fraternidad y el principio de la división de poderes. A pesar de que le fue ofrecida la conmutación de la pena a cambio de la delación de sus correligionarios, prefirió el suplicio a cometer semejante traición.
Los historiadores registraron su heroico gesto, los políticos mandaron grabar su nombre en bronce sobre las paredes del Congreso, y el pueblo la convirtió en leyenda, glosando su historia en coplillas y romances. Los primeros se interesaron por sus hechos; los segundos por sus ideas; los terceros por sus sentimientos.
Lorca, poeta que extrajo lo mejor de su producción artística de sus raíces campesinas, cuando se propuso cantar la gesta heroica de su paisana, recurrió, naturalmente, a las versiones que escuchó de niño en boca de los criados y niñeras, o a través de los sones de las canciones de ronda. La Mariana que interesó a Federico fue la Mariana cantada por los granadinos de a pie, no la glosada por los estudiosos, ni la manipulada por los políticos. Una Mariana así no sabía, no podía saber, nada acerca de grandes principios teóricos, ni de ideales abstractos. Sin embargo conocía muy bien el valor de las virtudes tan fundamentales como la lealtad, la fidelidad y el amor.
La heroína de Lorca sólo es tal durante cinco minutos -los últimos de la función- el resto de la representación es una mujer enamorada, nada más (y nada menos), que no puede embridar con el freno de la razón una pasión que la desborda. Exactamente la misma mujer cantada por el pueblo de Granada en coplillas y romances, desde el día siguiente de su ejecución.
Federico García Lorca es un poeta del siglo XX; su arte no tiene como destino entretener el descanso de una burguesía opulenta y ostentosa, ni, aún menos, distraer el tedio de una aristocracia caduca y exquisita; su arte está destinado a amplios sectores populares, depositarios de seculares tradiciones, pero abiertos a nuevas inquietudes y esperanzas. Para ellos escribe sobre mujeres de carne, corazón y hueso, apegadas a las cosas de la tierra, pero capaces de remontarse hasta las abstractas esferas de la heroicidad; para ellos inventa nuevas fórmulas cultas, partiendo de las más añejas y populares; para ellos introduce el romance popular dentro del teatro burgués, con la intención de acercar los gestos y actitudes de los héroes a las vivencias y sentimientos del común de los mortales.
La Marianita de Lorca no es un ser especial, adornado de raras virtudes, y capacitado para acometer las más nobles acciones. La Marianita de Lorca es una mujer común, sujeta a pasiones y sentimientos comunes, que, en especiales circunstancias, es capaz de actuar heroicamente, como, en análogas situaciones, podría llegar a hacer cualquier mujer bien nacida.
A dar la vida de nuevo a tal mujer, a revivir su gesta, sus sentimientos y pasiones, he dedicado los últimos cuatro meses. No ha sido fácil tarea (no soplan buenos tiempos para la lírica), pero he contado con la excepcional ayuda de la extraordinaria sensibilidad de Carmen Conesa, para conseguir tan arriesgada reencarnación, así como con el impagable talento de Emilio, la concienzuda aplicación de Manuel, la inapreciable sabiduría de M. Paz, José M. y Miguel, la frescura de Cristóbal, la gracia de Yolanda, el certero instinto dramático de Carmen y M. José, la profesionalidad de Jaime y la eficacia de Ángel; con el arte, en suma, de todos ellos. Sin él me habría sido imposible acometer la arriesgada empresa de poner en pie uno de los textos más líricamente exquisitos de la literatura dramática española. Mi agradecimiento a todos.
Mi agradecimiento también a Carlos Moreno por su eficacia profesional, a Manuel Balboa y a Juan Vida, por haber puesto toda la riqueza de su capacidad creadora al servicio de nuestro espectáculo, y, muy especialmente, a E. G. Línea de Cultura, por la valentía y el arrojo de que hace gala, al iniciar su trayectoria como productora de teatro contradiciendo la dinámica mercantilista, actualmente imperante, apostando por un texto difícil, de incuestionable calidad, pero del que se podría decir, al igual que de la ciudad que lo vio nacer, que es un "paraíso cerrado para muchos".

Joaquín Vida

Simplemente, Lorca

2009-01-17T21:00:00.000+01:00

Recital antológico de poemas y canciones de Federico García Lorca. Dirección y Espacio Escénico: Joaquín Vida. Diseño de Luces: Carlos Moreno. Intérprete: Nati Mistral.

Una producción de J. Seuba, estrenada en el Teatro Albéniz de Madrid.

Hay que Deshacer la Casa

2009-01-17T20:50:00.021+01:00

Autor: Sebastián Junyent. Director: Joaquín Vida. Escenografía y Vestuario: Javier Artiñano. Diseño de Luces: Carlos Moreno. Reparto: Amparo Rivelles y Lola Cardona.

Una producción de la Compañía Rivelles / Cardona, estrenada en 1984 en el Teatro Principal de Valencia; en Madrid, en el

Teatro de la Comedia, pasando la temporada siguiente al Teatro Fígaro.

Permaneció en cartel durante cuatro temporadas.

Nota para el Programa de Mano.

Para mí, un hijo de los años sesenta, incorporado al mundo de los adultos en medio del fragor de la contestación juvenil, en plena revolución sexual y entre los clamores del Mayo Francés, militante desde siempre en las huestes de la progresía ilustrada, ahíto y embotado de toda clase de teorías más o menos científicas, para mí, digo, ha seguido siendo un enigma la realidad humana que se esconde tras eso que hemos dado en llamar «el problema de la mujer».
Siempre he deseado saber, más allá de toda abstracción teórica, cómo es el alma de esas mujeres para las que los vientos liberalizadores de la Década Prodigiosa llegaron demasiado tarde o, simplemente, no llegaron; qué huellas la marcan, qué cicatrices la surcan para siempre. Pero en ninguna tesis, tesina o ensayo encontré jamás contestación a mis preguntas.
Ha sido, como siempre, el Arte, capaz de llegar hasta donde la Ciencia no puede hacerlo, quien me ha dado la respuesta. En el arte de Sebastián Junyent -con su habilidad para transmitir el enorme caudal de sentimientos que ocultan unas vidas en apariencia minúsculas-, en el arte de Amparo Rivelles -tan lleno de sabiduría acerca de la escena y, lo que es más importante, de la vida- y en el de Lola Cardona -tan desbordante de sensibilidad, tan rico en matices- he podido vivir por mí mismo, durante un gratísimo período de ensayos, las angustias, las alegrías, los temores y las esperanzas de unas mujeres a las que conocí, de la mano de Martín Gaite, cuando eran jóvenes y aún luchaban por hacer realidad sus sueños, huyendo del hogar paterno, o construyéndose uno propio a imagen y semejanza de aquél, y a las que he encontrado ahora en «Hay que deshacer la casa», ya maduras, atrapadas en aquellas mismas redes, sutiles pero irrompibles, que las cercaban entonces; prisioneras de su propia infancia, encarceladas «entre visillos».
Joaquín Vida

El Acero de Madrid

2009-01-17T20:27:00.015+01:00

Autor: Lope de Vega. Dirección Joaquín Vida. Espacio Escénico y Figurines: Joaquín Vida. Coreografía: Julia Grecos. Diseño de luces: Carlos Moreno. Reparto: Luis Fernando Alvés, Eva Cobo, Luis Perezagua, José Mª Barbero, Alberto Alonso, Carmen Serrano, Berta Ojea, José Antonio Gallego, Juan Antonio Molina, Jaime Tijeras y Mª del Mar Rodríguez.

Una producción de JV Producciones, estrenada en el Auditorio Padre Soler de Leganés.

Nota para el programa de mano.

… “cuando he de escribir una comedia
encierro los preceptos con seis llaves;
saco a Terencio y Plauto de mi estudio ...
y escribo por el arte que inventaron
los que el vulgar aplauso pretendieron.”

(L0pe de Vega, Arte Nuevo de Hacer Comedias)

Cinco versos de «El Arte Nuevo de hacer Comedias ... »; toda una declaración de principios. Quiso Lope escribir para el pueblo; quiso hacer un teatro popular (¿«pop»?), y para ello tiró las reglas por la ventana (como Fellini hubo de ahorcar al «teórico» para dedicarse a asumir la creación de su octava película y media), y buscó los temas y las formas que gustaban en la Villa, aunque no fueran del agrado de la Corte.

Cuando en 1603 entró en prensa «El Acero de Madrid», un aire fresco debió soplar sobre la recién estrenada capital de las Españas, tan pertrechada de hueros y altisonantes valores -honor, honra…-, traído de la mano de esta Belisa, que finge padecer una opilación (obstrucción morbosa de los canales de los humores; irregularidad en las evacuaciones menstruales femeninas, según el Novísimo Diccionario de la Lengua Castellana, edición de 1886) contra la que un falso médico le receta «tomar el acero.. (medicación consistente en tomar agua fría con una disolución ferruginosa, acompañada de largos paseos antes de la salida del sol), con el fin de burlar la vigilancia paterna y facilitar las entrevistas con su amante, de las que acabará resultando un sano embarazo de cuatro meses. Más de un inquisidor, profesional o aficionado, tronaría de santa ira contemplando como los códigos sociales, base de tantas tragedias, eran convertidos por Lope en causa de burla y regocijo. Más de un purista enarcaría las cejas ante la falta de unidad de acción, lugar y tiempo, o ante la precipitación de la resolución final. Pero el lirismo y la belleza de los versos y la picardía de las situaciones hicieron que la obra triunfase, y que se mantuviese viva hasta nuestros días. Hoy, cuando nos planteamos el montaje de «El Acero de Madrid», es nuestra intención que sople de nuevo aquel aire de renovación, y es nuestro deseo conseguir el favor del gran público, para lo que, buscando ser fieles a Lope, hemos seguido sus consejos, y hemos…
“…cerrado los preceptos con seis llaves;
sacado a Terencio y Plauto del estudio…
y hemos trabajado por el arte que inventaron
los que el vulgar aplauso pretendieron.
¡Ojalá nos den tan buenos resultados como a él le dieron!

Joaquín Vida

La Gracia que no quiso darme el cielo

2009-01-17T18:18:00.008+01:00

"Collage" de poemas cervantinos pergeñado por Luis García Montero y Joaquín Vida. Direción y Espacio Escénico: Joaquín Vida. Diseño de Luces: Carlos Moreno. Marionetas: Jaime Tijeras. Reparto: Nati Mistral, José Mª Barbero y Juan Antonio Molina. Al piano: Pedro Mariné.
Producción de JV Producciones, estrenada en el Auditorio Manuel de Falla de Granada; En Madrid, en el Teatro Reina Victoria.

Nota para el Programa de Mano.

“…yo que siempre trabajo y me desvelo
por parecer que tengo de poeta
la gracia que no quiso darme el cielo.”

(Viaje al Parnaso)

Es como si ni tan siquiera el propio Cervantes hubiese escapado del desfavorable juicio que sobre su quehacer poético estableció su época, influyendo sobre las sucesivas. El siempre insidioso Lope afirmó malignamente por aquellos días que el siglo no había dado un poeta tan malo como el famoso manco.

Algunas centurias más tarde, el mismísimo Unamuno, sumido en la depresión cívica que sufrió el país tras el desastre del 98, llegó a sostener que lo único malo de El Quijote –a cuyo protagonista elevó al rango de símbolo de la esencia del ser de España- era precisamente su autor.

Semejante afirmación, a pesar de venir de quien viene, o quizás precisamente por eso, no nos parece muy ponderada, convencidos como estamos de que las obras son hijas de sus autores, y de que, si aquellas son geniales, es precisamente porque éstos lo son. Cervantes es un autor brillante, lúcido, inteligente, crítico, irónico, renovador y prudente; su obra también. El Quijote la que más. Pero las restantes lo son en igual medida, incluyendo, por supuesto, su extensa producción poética.
Contribuir a exaltar los innegables méritos de Miguel de Cervantes en aquella faceta de su actividad literaria que con más ahínco deseó en vida que le fuese reconocida –la de poeta- al tiempo que mostrar las múltiples dificultades y los traicioneros escollos que hubo de superar para lograrlo, es, precisamente, el doble objetivo que nos proponemos alcanzar con nuestro espectáculo.

El León en Invierno

2009-01-17T14:06:00.007+01:00

Autor: James Goldman. Versión: Luis García Montero: Dirección y Escenografía: Joaquín Vida. Figurines: Pepe Rubio. Joyas: Damaris Montiel. Reparto: María Asquerino, Agustín González, José Mª Barbero, Eva García, José Antonio Gallego, Gerardo Giacinti y Juan Polanco.
Una producción de JV Producciones, estrenada en el Teatro Isabel la Católica de Granada; en Madrid, en el Teatro Infanta Isabel.

Nota para el Programa de Mano.

"Se puede confiar siempre en el vicioso".
(James Goldman, "El León de Invierno")

Conocí muy pronto a Ricardo Corazón de León. Apenas debía contar diez años, cuando surgió por primera vez ante mí, emergiendo de las páginas de un libro de verdes pastas de la entrañable colección CADETE. Era todo un tipo: alto, rubio, valiente, bueno, fuerte y guapo. Venía de reconquistar para la única religión verdadera la tierra natal de su fundador, que, por un incomprensible designio divino, estaba en manos de infieles. Le acompañaba la doble aureola romántica del dolor, pues había sufrido prisión en las mazmorras de un avaro emperador cristiano -aunque esto último debía de ser un error de imprenta-, y de la clandestinidad, ya que se veía obligado a guardarse de las arteras maquinaciones de su pérfido hermano Juan, usurpador de tronos, mezquino, traidor y abyecto, al que también tuve oportunidad de conocer en aquella ocasión.
Ambos arquetipos, junto a la tenaz figura de su madre, Leonor de Aquitania, la más bella musa de los poetas provenzales, transitaron frecuentemente por los sueños y fantasías de mi pubertad y adolescencia, hasta que fueron desplazados, casi sin darme cuenta, por unos nuevos héroes, cuyas hazañas daban nuevas respuestas para mis nuevas preocupaciones, como los varones que supieron arrancar a Juan parte de su poder, haciéndole firmar la Carta Magna, de tan amplio, largo y feliz desarrollo en la posteridad, o su propio padre, Enrique II, capaz de construir un imperio y, lo que es más importante, de secularizarlo, aun a costa de permitir algún que otro asesinato en la catedral, al comprobar, como empezaba a comprobar por aquellos días, que los intereses de las religiones verdaderas también son de este mundo.

La vida continuó, y los mitos, como los cinturones, se me quedaron estrechos y tuve que desecharlos; los desalojé de mi mente y aprendí a vivir tratando de interpretar la realidad de la manera más objetiva posible, sin aditivos ni conservantes. Así he pasado los últimos veinticinco años.
Pero, de forma inesperada, un buen día del año pasado se presentaron ante mi aquellos antiguos héroes y mitos de mi pubertad y adolescencia. Venían de la mano de James Goldman, quien me los presentó bajo un prisma desconocido: como simples seres humanos. Me fascinaron. Han resultado ser unos sujetos llenos de interés, adornados de las más altas virtudes y de las peores abyecciones; ambiciosos hasta el asesinato, pero capaces de las mayores renuncias; feroces guerreros por las mañanas, pero tiernos pederastas durante las noches; promiscuos, pero celosos; enamorados, pero infieles; inteligentes, pero víctimas de tontas torpezas; cínicos, simpáticos, rencorosos, malvados, sinceros, buenos, generosos, traidores, leales ... ; con todas las características de los héroes, ciertamente, pero contaminados de todos los vicios de que es capaz el ser humano; por eso me gustan; por eso he confiado en ellos y me ha lanzado a la aventura de posibilitarles una vez más emprender su encarnizada y entrañable lucha por el trono, por el poder, por sus intereses ... por la vida.
Joaquín Vida

La Malquerida

2009-01-15T18:18:00.006+01:00

Autor: Jacinto Benavente. Director: Joaquín Vida. Escenografía y Figurines: Joaquín Vida. Diseño de Luces: Carlos Moreno. Reparto: Nati Mistral, Manuel Gallardo, Mar Bordallo, Alicia Agut / Ana Frau, Luis Marín, José Mª Barbero, Jaime Linares (en gira), J. Antonio Gallego (en Madrid), Lola Cordón, Carmen Serrano y Jaime Tijeras.

Una producción de Atryl Producciones / JV Producciones, estrenada en el Teatro Municipal de Barakaldo; en Madrid, en el Teatro Fígaro.

Nota para el Programa de Mano

Nueve décadas entre las favoritas
La Malquerida es la historia de una pasión oculta y prohibida, de un amor tan inconfesable que sólo puede manifestarse en forma de odio, y de las nefastas consecuencias que su aparición produce dentro de un entorno familiar convencional y cerrado. La Sierra de Gredos, que da marco a semejante planteamiento, dota a la obra de todas las características propias del drama rural. Es más, puede decirse que la convierte en el drama rural por antonomasia. Desde su estreno en el Teatro de la Princesa de Madrid la noche del 12 de diciembre de 1913, la trágica historia de la Acacia, la Raimunda, y el Esteban se convirtió en el indiscutible arquetipo del género.
Sin embargo, no todos los estudiosos de la obra de Benavente están de acuerdo con esa calificación. Unos la tildan de "drama policíaco", mientras que otros le descubren rasgos propios del teatro psicológico, e, incluso, los hay que detectan en ella raíces que la entroncan con la antigua tragedia clásica.
Puede que no falte razón a ninguno de estos exegetas. El sabio goteo de datos que la investigación de Raimunda, en su búsqueda de la verdad, va desgranando progresivamente, tiene la virtud de intrigar al espectador, atrapándole en una creciente curiosidad por la resolución de la inquietante trama. Curiosidad que no se desvanece hasta la sorprendente escena final, tal y como mandan los cánones de toda función policíaca que se precie.
Esos rasgos del género policiaco caben, y esto es lo llamativo, dentro de un formato que no oculta su indudable origen clásico. No sólo porque tanto Raimunda como Esteban y Acacia sean personajes de rancia estirpe trágica, sujetos al dominio de una fuerza superior a su voluntad -sus propios e invencibles deseos-, sino porque actúan condicionados por un personaje colectivo, el pueblo, que, aunque físicamente ausente del escenario, hace sentir todo el peso de su presencia a través del coro de murmuraciones que hasta la escena llegan, traídas por los mensajeros de turno, condicionando el comportamiento de unos personajes obligados a enfrentar sus instintos espontáneos con las normas vigentes en el grupo social que les da cobijo.
Además, y sin menoscabo de lo anteriormente expuesto, la actitud de Acacia y su cada vez más extraño comportamiento, incomprensible para cualquier mentalidad "normal", resulta meridianamente explicable si se analiza retrospectivamente a la luz de las teorías freudianas. No hay a lo largo de la obra gesto, palabra o acción de la muchacha, que no explique "a posteriori", con aplastante lógica psicológica, la inesperada reacción final del personaje.
A mi entender es precisamente ése el rasgo de La Malquerida que explica la vigencia de la obra 87 años después de su estreno: la rigurosa construcción psicológica de todos los personajes. Es ése también, junto con el aprecio a la impecable carpintería teatral y el gusto por la precisa y preciosa estructuración "policíaca" de la acción dramática, uno de los motivos que me han empujado a emprender, de nuevo junto a Atryl Producciones, la aventura de este montaje. El contar una vez más -y ya son cuatro- con Nati Mistral, es el otro. Su presencia en el reparto, junto a las de Alberto, Alicia, Mar, Enrique, José Mª, Jaime, Lola, Carmen, Jaime y, naturalmente, la de Manolo, constituye no sólo una garantía, sino también un placer estético y afectivo.
Joaquín Vida

Tras las Huellas de Bette Davis

2009-01-15T17:10:00.003+01:00

Autor: Eugenio Arredondo. Director: Joaquín Vida. Escenografía y Figurines: Joaquín Vida. Diseño de Luces: Carlos Moreno. Reparto: Nati Mistral (en Madrid), Ana Marzoa (en gira), Paca Gabaldón, José Mª Barbero y Carmen Serrano.

Una producción de JV Producciones, estrenada en Rivas-Vaciamadrid; en Madrid, en el Teatro Muñoz Seca.

Nota para el Programa de Mano.
Gama de Grises

TRAS LAS HUELLAS… intenta demostrar que no todo es blanco o negro, que no todo puede ser ubicado en el campo del bien o en el campo del mal de forma absoluta, sino que existe una infinita gama de grises entre una y otra categoría.
Dos hermanas, antiguas profesionales del espectáculo, en medio de los polvorientos vestigios de un glorioso pasado, conviven en una vieja y desvencijada mansión, entregadas con afán al destructivo placer de amargarse mutuamente la vida, hasta el día en que una de ellas, al ver en televisión una vieja película de terror protagonizada por Bette Davis (¿Qué fue de Baby Jane?), creyendo encontrar en ella ciertas concomitancias con sus propias vidas, decide reproducir en la realidad la peripecia argumental de la ficción, lo que desencadena inesperadas consecuencias.
Esta historia de dos mujeres, que comparten la vida y se martirizan mutuamente hasta el infinito, encierra así mismo una crítica indirecta a una manera deshumanizada y cruelmente competitiva de entender el éxito y el fracaso profesional; pone de manifiesto el infierno vital al que pueden conducir la competitividad, los celos, el egoísmo, la envidia, y el ansia de fama, al tiempo que muestra las simas de maldad a las que, por su causa, pueden llegar a descender los seres humanos, incluso los aparentemente más dulces e inocentes.

Abejas en Diciembre

2009-01-15T16:58:00.006+01:00

Autor: Aland Ayckbour. Director: Joaquín Vida. Escenógrafo: Andreu Polo. Reparto: Irene Gutiérrez Caba, Manuel Galiana, Nicolás Dueñas, Juan Antonio Gálvez, José Mª Barbero, Amparo Climent, Amparo Gómez Ramos, y Francisco Olmo.

Una producción de El Teatro del Sol, estrenada en el Centro Cultural de la Villa de Madrid.

Marina

2009-01-15T16:34:00.000+01:00

Autor de la partitura: Emilio Arriete; del libreto: Francisco Campodrón, adaptado para formato de ópera por Miguel Ramos Carrión. Director de la orquesta: Enrique Rucci; de escena: Joaquín Vida; del coro: Miro Moreira . Reparto: Alfredo Kraus, Ana Mª González, Juan Pons, Alfonso Echevarría, Stéfano Palatchi, Lourdes Diz y Daniel Pereira. Coro: Orfeón "Terra Nosa". Orquesta. Sinfónica de Asturias.

Una producción de A.O. para la gala inaugural de la Cuadragésima Temporada de Ópera de Oviedo. Estrenada en el Teatro Campoamor de dicha ciudad.

Las Trampas del Azar

2009-01-15T00:58:00.003+01:00

Autor: Antonio Buero Vallejo. Dirección: Joaquín Vida. Escenografía: José Hernández. Música: Teddy Bautista. Reparto: Encarna Paso, Carlos Ballesteros, Teófilo Calle, José Caride, Silvia Escobedo y Juan Carlos Rubio.

Una producción de Enrique Cornejo, estrenada en el Teatro Juan Bravo de Segovia; en Madrid, en el Centro Cultural de la Villa.

Nota para el programa de mano.

BUERO: UN CLÁSICO DE VANGUARDIA

Satisfacción; tal fue el sentimiento que experimenté cuando Enrique Cornejo -solitario valedor de autores españoles vivos- me llamó para ofrecerme la dirección del, por ahora, último trabajo de Antonio Buero Vallejo. Decir que experimenté un sentimiento de satisfacción es, naturalmente, una obviedad. Hacer a Buero es hacer teatro grande, teatro de abolengo, teatro enraizado en los conceptos dramáticos de los clásicos griegos. ¿Qué director de escena no se sentría satisfecho ante una oferta de esa envergadura? ' .
Pero sucedió que, cuando volví la última página de "LAS TRAMPAS DEL AZAR", el sentimiento de satisfacción dejó paso al de entusiasmo. No me estaban ofreciendo la dirección de un clásico, de un académico; me estaban proponiendo la puesta en escena de un innovador, de un vanguardista. ¿Qué director de escena no se entusiasmaría ante una propuesta innovadora en lo concerniente a los elementos metalingüísticos de la representación teatral, sobre todo, si proviene del propio autor del texto?
Es, en efecto, extremadamente sugestivo, en estos tiempos en los que no parece haber otra alternativa a la vacuidad formal de los adictos a las nuevas tendencias escénicas que el retorno al sainete, comprobar cómo el autor más representativo
del teatro español de la segunda mitad del siglo XX, todo un clásico contemporáneo, académico de la Real de la Lengua por más señas, confiar a los elementos no literarios del lenguaje teatral la misión de transmitir al público el aspecto trascendental de su nuevo argumento.
Bien es verdad que siempre ha tenido Buero una evidente inquietud por los aspectos formales de la representación; desde sus comienzos, las acotaciones de sus textos proponen exploraciones formales no exentas de una cierta osadía. Pero en "LAS TRAMPAS…" se evidencia como en ningún otro de sus trabajos esta añeja preocupación suya por armonizar estructuralmente los elementos literarios del lenguaje teatral con los que carecen de dicho carácter. Casi me atrevería a decir que es precisamente a. través de estos últimos como quiere hacer llegar al público el sentido profundo de su nueva parábola.
En efecto: la simultaneidad de espacios, la multiplicidad de “roles” para un mismo intérprete, la reiteración exhaustiva de algunos elementos del decorado, etc., despiertan inmediatamente en el lector (estoy seguro de que también lo harán en el espectador) tanta inquietud y curiosidad como1a provocada por la formulación verbal –impecable, por lo demás, desde el punto de vista de la ortodoxia clásica- del propio conflicto, e idéntica fuerza expresiva se puede predicar de ellos en el momento del desenlace.
Texto y gesto se armonizan así en una mutua simbiosis, para articular la clave de un único signo expresivo, por medio del cual accedemos a esta nueva reflexión acerca del carácter egoísta de la naturaleza humana, o del devenir político español en los últimos lustros, o, sencillamente, sobre los negativos efectos psicológicos producidos en Gabriel por la conciencia de culpa -la lectura dependerá, como siempre que se trata de verdadero Arte, de las vivencias de cada espectador-, con la que, bajo el título de "LAS TRAMPAS DEL AZAR", nos reta el más moderno de nuestros clásicos, el más clásico de nuestros vanguardistas.

Joaquín Vida

Café Cantante

2009-01-13T19:37:00.002+01:00

Autor: Antonio Gala. Director: Joaquín Vida. Escenografía: José Hernández. Diseño de Luces, Carlos Moreno. Reparto: Nati Mistral y Ángeles Martín.

Estrenada en el Teatro Coliseum de Bilbao; en Madrid, en el Teatro Bellas Artes.

El Pelícano

2009-01-13T19:16:00.000+01:00

Autor: August Strindberg. Dirección: Joaquín Vida. Reparto: Charo Soriano, Jeannine Mestre, Miguel Arribas, José Mª Barbero y Alicia Agut.

Estrenada en el Teatro Benavente de Madrid.

Sra. de...

2009-01-13T19:06:00.000+01:00

Autor: Sebastián Junyent. Director: Joaquín Vida. Reparto: Irene Gutiérrez Caba, Germán Cobos y Bura Serra. Estrenada en el Teatro Fígaro de Madrid.